Série

" CLOWNS ARTISTES "

Pour moi, le clown c’est la métaphore de l’artiste qui possède parfaitement ses moyens tout en faisant semblant de ne rien maîtriser. Le clown fait partie intégrale de notre imaginaire collectif en tant qu’il est hors normes et en tant qu’il ne peut exister de clownerie s’il reste dans la norme. La capacité du clown à la transgression le relie aux manifestations dionysiaques. Son allure, ses costumes, son maquillage et son comportement le signalent comme celui qui va déranger parce qu’il est dérangé. Il y a souvent chez les clowns quelque chose d’un comportement enfantin qui dans la vie pourrait être considéré comme pathologique, comme le fait d’une personne attardée ou diminuée. Or, son état d’enfance qui surgit en nous, nous fait voir le monde avec des yeux émerveillés. Grâce au clown, tout devient différent. Rien ne va plus de soi. Les spectateurs et les spectatrices s’amusent de cette rupture qui est la métaphore du danger potentiel d’enfance, de ce risque d’un comportement qui échappe à la norme. C’est tout le paradoxe du masque de clown, qui révèle plus qu’il ne cache. Le masque participe au dévoilement, car il permet de retirer toutes les couches de vernis social, les différents rôles que nous pouvons avoir, les conventions et les bonnes manières que nous avons apprises. Il révèle le lien direct avec notre humanité profonde.
En tant que métaphore de l’artiste, le clown a besoin de se confronter au regard de l’autre, mais aussi d’y puiser l’appui pour se découvrir et aller à sa propre rencontre. Par ce travail j’ai voulu montrer combien l’art et le travail d’artiste pouvaient contribuer à transformer la vie et surtout à la rendre joyeuse. C’est une autre facette de moi-même et de mon espace pictural que je dévoile dans cette série. Le regard malicieux et espiègle que je porte sur moi-même et sur mon travail d’artiste est inspiré par l’art « dit colon » et plus généralement par les masques et l’art africain que j’affectionne tout particulièrement. En créant cette série de quatorze toiles, j’ai surtout voulu partager avec les spectateurs la fraîcheur du regard de l’enfance qui me tient tellement à cœur.

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"MÉTAMORPHOSES D'UN ARBRE POÈTE"

Cette série réunit quatorze tableaux de 40 x 40 cm de dimension, représentant chacun un arbre imaginaire, chacun dans une tonalité différente et avec de subtiles variations de forme par rapport aux autres. La couleur et la forme du tronc, des branches, des racines et des feuilles constituent autant de points de connexion avec le monde extérieur qu’avec l’arbre lui-même. Elles ont été longuement réfléchies et travaillées dans un style épuré, délibérément insouciant et inconscient. Le symbolisme de la verticalité s’y déploie avec simplicité sur un fond bleu clair. Le traitement pictural de chaque œuvre se veut minimaliste et se concentre sur les couleurs, sur leur conjonction et leur réciprocité d'un tableau à l'autre.
À cette série de quatorze toiles s’ajoute une quinzième œuvre, une longue frise de 30 X 300 cm de dimension, laquelle représente les quatorze arbres sur le même plan et qui en constitue une sorte de vue synthétique.
L'ensemble de ce travail repose sur l’exploration de la part inconsciente de mon espace pictural réalisé grâce à ma peinture. Je l’ai intitulé « Métamorphoses de l’arbre poète ». C’est la première fois que j’essaie de pénétrer en profondeur ce qu'il y a d'inconscient dans ma peinture au moyen de la peinture comme pour l'utiliser comme un outil d'exploration de mon inconscient pictural et non pas simplement comme un outil de communication.
Pour moi, l’arbre constitue une métaphore de la création artistique. En tant que symbole de la vie et de son évolution perpétuelle, il reflète la manière dont l’art et la poésie se matérialisent sur la surface de la toile et se déploient dans l’espace pictural de l’artiste. Tout comme pour l’arbre qui croit lentement et qui gagne progressivement du terrain pour devenir forêt, l’exploration et l’appropriation de mon espace pictural est chez moi un processus lent et progressif. Inéluctablement inscrite dans la durée, cette démarche m’offre en contrepartie l’opportunité d’explorer en profondeur un espace intérieur qui est composé de multiples facettes et qui s’avère d’une infinie richesse. C’est le vertige de la verticalité !
Tout comme pour un arbre réel qui se déploie et se transforme en permanence, l’artiste en moi évolue dans un environnement intérieur qui se renouvelle de manière continue et circulaire. Pour croître et pour gagner de l’ampleur, l’arbre auquel je m’identifie doit se créer et qui en se créant crée l’environnement qui assure sa pérennité. Autrement-dit, l’arbre doit s’unir avec lui-même, ou plus exactement avec l’environnement qu’il crée et dont il devient indissociable. Il en est de même pour la création artistique qui repose sur une association symbiotique entre le créateur et son propre espace pictural. En résulte un jeu harmonieux de démultiplications, de transformations et de transmissions symbiotiques qui inscrivent l’arbre poète dans une double circularité, à la fois auto-générative (car l’artiste se crée dans et à partir de son espace intérieur) et constructive (car il s’inscrit dans l’espace-temps dans lequel il se matérialise grâce à ses créations). L’image de la forêt de Pando située aux États-Unis, dans l’Utah, illustre parfaitement ce rapport symbiotique entre l’artiste que je suis et mon imaginaire poétique que j’ai impérativement besoin d’explorer en créant des œuvres, mais tout aussi impérativement besoin de revisiter en permanence. Et c’est pour moi une question de survie ! C’est précisément la raison pour laquelle, chaque œuvre constitue une métamorphose d’une suite de quatorze que j’ai intitulée « Métamorphoses de l’arbre poète ». Et chacune d’entre-elles constitue en quelque sorte la matérialisation de l’exploration de la part inconsciente enfouie dans ma forêt intérieure que j'ai réalisée grâce à ma peinture. Ce travail témoigne tout d’abord de ma marque de considération pour l’extraordinaire forêt de Pando, laquelle assure sa pérennité grâce à une multiplication végétative et non par une reproduction sexuée. C’est en ce sens que Pando constitue une métaphore de mon travail d’artiste. C’est à ce titre que je pourrais dire que si j’étais une forêt je serais la forêt de Pando, tellement mon activité créative est proche de celle de cet arbre-forêt unique en son genre. Avec ses 40 000 troncs, dont chacun étant un clone issu des racines du même arbre né au temps de l’homme de Néanderthal, Pando constitue la métaphore de la succession de symbioses et de métamorphoses représentées dans l’activité poétique de mon travail artistique. Pando incarne ainsi un idéal de vie harmonieuse. Pando est la métaphore de l’arbre poète qui hante l’espace pictural de mon imagination créatrice. Ses formes et ses variations successives reprennent exactement celles qui ont été utilisées dans la représentation des quatorze métamorphoses de la série, toutes travaillées séparément pour mieux souligner le mystère de la création artistique, en tout cas telle que je la vis, telle que je la comprends et telle que je la conçois en tant qu’artiste.
L’intérêt du travail sur les « Métamorphoses de l’arbre poète » réside indéniablement dans le dépassement d’une tension et d’une logique créatrices qui répondent toujours à une même nécessité intérieure, immuable et obsessionnelle. Mais pour la première fois son originalité consiste en ce que je me suis livré à une exploration plus poussée de mon œuvre par ma peinture : je me suis servi de mon pinceau et de ma palette de couleurs pour explorer mon espace pictural dans ce qu’il comportait de plus inconscient comme s’il agissait d’une sorte de psychothérapie picturale. En tant qu’artiste j’ai toujours été sensible à la manière dont les couleurs résonnaient en moi, à la manière dont je les pensais et à la manière je communiquais avec elles, mais je n’avais jamais entrepris auparavant d’explorer cette part inconsciente de mon travail au moyen de la peinture.

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"REGARDS CROISÉS"

Dans cette série de dix tableaux réalisée en décembre 2021, j’ai cherché à mettre en perspective les jeux de regards qui naissent dans le rapport à l’autre, surtout lorsqu’il s’agit de la personne aimée. Le regard agit autant sur elle que sur nous-mêmes. L’amour exige d’aimer toujours davantage. Ce qu’on exige de l’autre, nous l’exigeons d’abord de nous-mêmes. Si bien que le regard porté sur lui s’avère en définitive un regard porté sur soi-même. Il s’établit dans la relation à l’autre une série de jeux de regards qui ramènent toujours à soi. C’est cette complexité de jeux de regards que j’ai voulu représenter. Dans ce travail, l’exploration de mon intimité offre la possibilité au spectateur d’un dévoilement à lui-même dans et par la couleur.

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"FLEURS D'ARTISTE"

"Fleurs d'artiste " est à la fois le titre d'un poème que j'ai écrit en mars 2025 mais aussi le titre d'une série de 14 tableaux que j'ai exécutés simultanément pendant la même période, sauf le premier de la série que j'ai peint il y a trente ans environ. Ce travail m'a permis de combler cet intervalle de temps qui s'est écoulé depuis et pendant lequel je n'ai jamais cessé de peindre.
Ce travail poétique et pictural à la fois a pour objet l'exploration de mon espace intérieur qui est peuplé de fleurs et de couleurs. Il témoigne de mon cheminement personnel. J'y exprime à ma façon mon parcours de peintre amoureux de la vie et des couleurs, c'est à dire le chemin exigeant de mon travail d'artiste à travers les couleurs que je cherche à comprendre dans une relation d'amour et de communication avec elles. Dans cette série que je présente ici, j'exprime ma manière d'aborder la peinture et plus particulièrement la singularité avec laquelle j'entre en résonance avec les couleurs et avec la vie. Cette expérience que je cherche à partager avec les amateurs d'art et les passionnés de peinture je la conçois comme un jeu auquel je me suis appliqué depuis ma plus tendre enfance, lequel j'ai affiné pendant mon adolescence et dont j'ai pris pleinement conscience à l'âge adulte. Les "Fleurs d'artiste" présentées ici retracent donc le long et patient chemin qui m'a permis de m'approprier mon identité en tant qu'artiste.

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"RÉPÉTITIONS JUBILATOIRES"

À chaque fois le peuple exulte, jubile et fête la victoire du bien sur le mal. Marc Twain a dit « l’histoire ne se répète pas, elle rime ». Mais alors à quoi rime cette répétition jubilatoire ? Les hommes et les femmes tirent-ils véritablement les leçons du passé ? Se peut-il que les élans de réjouissance victorieuse rendent amnésique la mémoire collective des peuples ?

L’évocation de l’entre-deux guerres ramène aux scènes de liesse et de jubilation exprimées par les peuples libérés du joug de l’oppresseur, mais aussi aux années d’amusement des années folles, des années 30 et des années 40 marquées par les danses du Swing telles le Lindy hop, le Jitterbug, le Jive et le Charleston. Fred Astaire était incontestablement le danseur en couple le plus gracieux de l’histoire du vaudeville, du théâtre et du cinéma de cette époque et Guillaume Apollinaire l’un des plus grands poètes du début du 20^ème siècle. Troublé par la seconde Guerre mondiale, cet enchantement populaire de l’entre-deux guerres n’aura pas duré longtemps. Les G.I. américains seront accueillis en héros libérateurs. Et une nouvelle fois, les peuples d’Europe seront gagnés par l’ivresse de liberté et par l’éternel désir d’en finir avec la guerre et l’oppression. La nouvelle victoire aura apporté un vent d’espoir ou d’illusion d’une vie meilleure, un nouvel emballement pour la fête et la joie partagée. Mais à quoi rime cette répétition jubilatoire ? Serait-elle l’expression d’un aveu d’impuissance à atteindre l’essentiel ou le vrai bonheur ? Combien même il ait été sincère, peut-on réduire cet emballement collectif à une parenthèse passagère, éphémère, véloce, précaire et fugitive ? Les hommes et les femmes auraient-ils négligé leur bonheur ? Auraient-ils oublié l’essentiel ? L’amour déployé n’aurait-il pas permis de panser les maux de la guerre et d’ancrer définitivement dans le temps la construction d’un monde meilleur ? Symbolisé par le baiser fougueux de Times Square d’un marin et d’une infirmière (14 août 1945), si cet amour incarne pour les Américains la joie du « VJ Day » (Victory Over Japan Day), il est loin d’incarner celle d’une paix définitive. Comment ne pas l’inscrire, lui aussi, dans une logique de répétition de l’Histoire ?Comme le souligne Karl Marx « l’histoire se répète, d’abord comme une tragédie, puis comme une farce ». Et si finalement, les efforts passés n’avaient-ils servi à rien, si les souffrances endurées n’avaient-elles pas permis de marquer les esprits et si l’amour n’avait-il pas permis d’éviter le pire, à quoi riment ces répétitions jubilatoires laissées par les images du passé ? Comment interpréter la joie, pourtant réelle, qui s’exprime sur les visages des foules victorieuses ou des couples qui s’aiment ? De quelle victoire s’agit-il exactement ? L’histoire ne se joue-t-elle pas de nous ? S’agit-il d’une farce ?

La question cruciale que posent les œuvres de cette série intitulée « Répétitions jubilatoires » est celle du sens à donner aux scènes répétitives de peuples en liesse aux lendemains de guerres dévastatrices ? Si elles ne donnent pas de réponse, elles donnent l’occasion au spectateur de se questionner sur la portée des jubilations collectives, victorieuses et triomphantes de la première moitié du 20^ème siècle. Elles interrogent sur la possibilité d’effacement des erreurs du passé par des moments d’enchantements collectifs fugitifs et sans avenir. C’est moins la répétition des joies et des baisers partagés qui pose question que celle des conflits à répétition qui s’ensuivent toujours après, au point de mettre en doute la volonté des hommes et des femmes à construire leur propre bonheur. Qu’attendons-nous pour être heureux ?

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"IMPLOSIONS ARTISTIQUES"

À travers cette série de 13 œuvres, intitulée « Implosions artistiques », dont je ne présente ici qu’une partie, j’ai voulu aborder à ma manière la question de la difficulté qui est inhérente à toute création artistique, et en particulier à la création picturale.

L’exploration de mon espace pictural, avec toutes les questions qu’elle soulève en mon for intérieur, avec toutes les difficultés qu’elle me contraint à résoudre et avec toutes les embûches auxquelles elle me soumet, constitue un exercice des plus difficiles qui soit. Autrement-dit, peindre c’est tout sauf facile, car il faut y mettre de tout son être. La peinture est un exercice qui exige de peindre avec ses tripes, sans quoi elle n’a aucune chance de survivre à celui qui l’éprouve. Comme le disait si bien Gilles Deleuze « peindre ça fend le crâne ». C’est une question d’intériorisation.

Car un tableau, même s’il est figuratif, ne se réduit pas à la figuration de ce qu’il représente, c’est-à-dire à la simple perception du monde extérieur. C’est un ensemble de perceptions et de sensations figées sur la toile qui sont irréductibles à la matérialité de la réalité extérieure et qui sont reliées à l’artiste, à sa main et à son esprit.

La difficulté en peinture – et c’est précisément ce qui définit toute peinture sérieuse – c’est l’aptitude à « tordre » la perception pour créer ses propres règles. Peindre, cela consiste à peindre sans tomber dans la facilité de la figuration qui restreint à l’imitation ou à la simple copie. Le danger majeur pour un peintre c’est le piège de la figuration, et c’est d’autant plus tentant qu’il produise de la peinture figurative. L’erreur absolue c’est de peindre hors contexte, c’est de peindre en s’inscrivant dans un rapport externe et importé sur les choses et le monde environnant. Ce qui revient à oublier l’essentiel au détriment de ce qui lie l’œil, la main et l’esprit de l’artiste. La peinture n’a pas de pouvoir sur les choses, l’artiste n’en a pas sur le réel. C’est précisément ce qui est difficile, voire violent. Cette intériorisation par l’art, je n’ai pas trouvé mieux que de l’exprimer par la représentation de la bombe Hiroshima que j’ai inscrite dans une succession d’états pour en montrer d’une part la difficulté et d’autre part pour en dévoiler l’évolution et la maturation dans le temps. L’acte de peindre est une démarche par laquelle l’artiste s’éprouve et s’enrichit intérieurement d’un excès qui le traverse. Paradoxalement. La peinture c’est l’expérience de la joie dans la douleur. C’est la joie de la création dans la douleur de l’enfantement. Cette douleur je la ressens au plus profond de moi. Elle résonne à chaque fois comme une implosion intérieure que je désire et que je redoute à la fois, sans qu’il y ait moyen d’y échapper.

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"VOYELLES - ARTHUR RIMBAUD"

"A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu, voyelles,
Je dirai quelque jour vos naissances latentes : ..."

Série inspirée par la puissance des vers de "Voyelles" de Rimbaud et composée de six tableaux. J’ai voulu exprimer ce que le poète y révèle de sa fascination pour la féminité. Chaque femme ici est l'incarnation érotique d'une couleur. Le portrait du poète résume la série dans une vision synthétique, apparaissant comme le vecteur du secret et de l’alchimie de sa vision poétique.

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" ANNEAUX OLYMPIQUES ou Le spirituel dans le sport "

Série de sept tableaux sur le thème des JO : une toile F25 (65x81cm) qui représente l'union des des cinq maillons du drapeau olympique, cinq toiles C1 (20x20 cm) qui représentent chacune un anneau détaché des autres et une. toile F15 (54x65 cm) qui représente une cible. D'une manière très simple, cette série est une réflexion menée sur l'union et la désunion crées par les exploits artistiques et sportifs. Les couleurs reflètent l'altérité qui unit et qui désunit, qui crée l'union mais aussi la désunion nécessaires pour l'accomplissement des hommes et des femmes dans leurs activités. Ici, la possibilité artistique constitue une métaphore de la performance sportive. Le travail de l'artiste s'apparente à celui du sportif de haut niveau en ce qu'il cherche toujours le dépassement de soi. Le jeu dialectique des couleurs représente tantôt l'échec et tantôt la victoire, tantôt l'harmonie et tantôt le déséquilibre. La cible représente l'union parfaite entre les anneaux. Elle symbolise par sa disposition l'union du corps et de l'esprit, de l'art et du sport, du matériel et du spirituel. Le travail de l'artiste s'apparente à celui du sportif de haut niveau en ce qu'il cherche lui aussi le dépassement de soi. L''un comme l'autre cherchent à dépasser leurs possibilités matérielles et inscrire leurs exploits dans l'éternité, dans le spirituel. Le sport est un art et l'art est un sport. Ici c'est l'épreuve du tir à l'arc qui a été choisie pour incarner cette union des possibilités. Il y a du spirituel dans le sport et c'est cela qui est beau.

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"ARTS SPORTIFS ET SPORTS ARTISTIQUES"

Cette série de treize tableaux de format C2 (40x40 cm) intitulée "Arts sportifs et sports artistiques" a été crée à l'occasion des JO de Paris 2024. Elle célèbre l'union du corps et de l'esprit, du matériel et du spirituel à travers la thématique du sport et du dépassement de l'athlète qui se déploie dans l'effort physique. Treize sports ont été représentés : la natation, l'haltérophilie, l'athlétisme, la gymnastique artistique, le beach-volley, l'escalade, le plongeon, le trampoline, la boxe, le surf, le tir à l'arc, le breaking et l'aviron. Ce qui est en jeu dans chacun d'entre eux c'est la possibilité de réalisation de soi toujours tendue vers quelque chose qui la dépasse, vers une force qu'elle cherche paradoxalement à fuir, à dépasser et à posséder comme si dans l'activité sportive et l'effort physique il y avait une part de folie et d'irrationnel. C'est en ce sens que le sport de haut niveau constitue une métaphore de l'art et qu'il constitue en soi une pratique profondément spirituelle.

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"L'OISEAU QUI CHANTE LE BONHEUR"

Collection de treize petites pièces d'inspiration rimbaldienne sur les thématiques de la variation et de l'identité, du mystère et du dévoilement de l'inspiration poétique qui habitent toute oeuvre d'art. L'organisation interne de chaque pièce s'organise dans une tension singulière et interprète la musicalité poétique au delà des couleurs et au-delà de la représentation. Le chant de l'oiseau se renouvelle inlassablement sans pour autant tomber dans la monotonie et dans la répétition.